Informe sobre l’avorriment i la lectura assistida, 2022.

Els principis de dignitat, autonomia i benestar del lector fan èticament acceptable i constitucionalment possible la despenalització de la poesia i l’ajuda a la nostàlgia. Aquesta conclusió és el fruit d’un procés deliberatiu obert, plural i rigorós, que coincideix amb una línia de pensament majoritària favorable al repic romàntic de les Grans elegies de Hölderlin i el tornaveu nostàlgic del Canigó de Verdaguer. A banda d’aquests, Mà invisible, d’Adam Zagajewski també és favorable a passejar per la línia prima que separa la història del record.

Sobre els comitès i la seva composició: El comitè de control i supervisió de la ciència-ficció i l’ajuda a la imaginació es podria configurar de la manera següent: lectura de fundacional Hitchhiker’s Guide to The Galaxy, de Douglas Adams, i Michelíada, monument joycià a la llengua catalana d’Antoni Munné-Jordà, juntament amb la seva antologia «Futurs Imperfectes», ara que ha donat la seva col·lecció a fons local de Vilanova i la Geltrú; ambdues marquen clarament la projecció de la sci-fi catalana, recolzades amb les publicacions de la revista Catarsi i els premis Ictineu. En fantasia cal aprofitar que ha sortit la versió en català de Ritus Iguals de la saga Discmón, el que seria Douglas Adams a la fantasia, però amb una lògica fantàstica allunyada de l’absurd i propera a la quotidianització del fantàstic.

Totes les peticions de prosa o ajuda al realisme que s’han practicat dins del territori autonòmic són de més quantitat i varietat: 33 en total. D’aquestes, destaca la pertorbadora història de L’escanyapobres, de Narcís Oller, i el clàssic de Rusiñol, L’auca del Sr. Esteve, indispensable per a contrarestar el naturalisme del primer. Actuació del comitè: la intervenció del comitè dependrà de les característiques de la demanda. En el camp de la novel·la, El casco de Sargón, de Jorge Benítez, és una de les poques excepcions recomanables d’una òpera prima, per la seva fluïdesa i maduresa.

Així, intervindrà: 1. Amb caràcter d’assaig, l’obra d’Houellebecq Lovecraft, Contre le monde, contre la vie, per copsar els terrors primigenis de l’ànima humana, i la de Jorge Wasenberg, La complejidad del mundo, per emmarcar la termodinàmica en l’ètica i l’estètica. En aquests casos caldrà l’autorització prèvia del comitè, que podrà denegar-la si considera La rebelión de las masas d’Ortega y Gasset, una obra pertinent per al segle XXI. En tot cas, la breu L’aigua és això, conferència de DFW és autoritzable en tant que llambregada a la filosofia vital dels ritus de pas a començaments del segle XXI. Curiosa i autoritzable és també el Viatge al voltant de la meva cambra, de Xavier de Maistre, per la seva concepció de l’espai i el paisatge en elements del record i la imaginació.

Amb caràcter posterior a la finalització dels contes del lector que ho sol·licita, quan aquesta demanda vingui d’una persona en situació d’avorriment o en els casos d’auxili a lectura i en lectors no terminals. En aquests casos es recomanaria l’obra d’El Japó fantasmal de Lafcadio Hearn, una miscel·lània de romanços, poemes i folklore japonès, amè i amb alguns tocs d’horror gòtic. Pel que fa als contes, els efímers i entretinguts de La gran novel·la de Barcelona, de Sergi Pàmies, són una opció, però poca cosa poden afegir als contes complets de Yukio Mishima, molt més indelebles en la memòria del lector. En un apartat especial, Someone Like You, de Roald Dahl, destaca com una vertadera joia dels contes cruels i no tan cruels, i que supervisaran el control del compliment dels requeriments ètics i legals, demanant l’aclariment dels dubtes i traslladant la qüestió al ministeri fiscal si hi ha hagut irregularitats a fi que es puguin exigir responsabilitats penals, si escau.

Literatura asistida

La literatura assistida pot ajudar a superar l’avorriment existencial de manera ètica i legal.

Share This:

Publicado en Reseñas, Todo | Etiquetado , , | Deja un comentario

Finalistes del X Certamen de microrelats fantàstics i de terror de Sants.

X Certamen de microrelats fantàstics i de terror de Sants

El jurat, després de llegir aproximadament mil relats, ha valorat els següents finalistes:

Relats en català:

A les palpentes
Assassinat passional
Cadeneta
El lladre
El millor deixeble
En fila
Expiació
Instruccions bàsiques del joc «Era Nova»
Molí Vell
Rumors

Relats en castellà:

¿Qué ocurrió con el Señor Martín Rivero?
Amor artificial
El psiquiátrico
El viejo de la montaña
Epífora
Futuro perfecto
Henry (s)
Intercambio
La cortina
TOC

Share This:

Publicado en Todo | Deja un comentario

HP LOVECRAFT, segons Houellebecq

En l’última dècada del segle XX la figura del reclòs de Providence guanyà renom gràcies a la subcultura i a la difusió de les seves traduccions. Houellebecq va començar a escriure d’ençà del 1988 un assaig sobre Lovecraft que va publicar el 1991 a Éditions du Rocher: H.P. LOVECRAFT Contre le monde, contre la vie. Es tracta de la seva primera obra que ell mateix defineix com una «espècie de novel·la».

L’assaig recull, per una banda, la inquietud jovenívola de tot aquell que s’ha submergit en la imaginació de l’autor i per l’altra planteja una interpretació que unifica el seu estil amb la seva biografia i personalitat. No es tracta únicament, però, d’una biografia, sinó d’un assaig estètic de les tècniques i l’estil, amb implicacions morals i filosòfiques.

Al llarg d’aquest assaig breu es detecta la fascinació que l’autor de Providence va exercir sobre Houellebecq i com aquest n’era deutor d’una exegesi que pogués presentar al gran públic, desconeixedor de les correspondències entre la seva actitud vital i la seva obra.

La tesi principal indica que la por és l’essència de la seva obra, i que aquesta és una sublimació de la seva renúncia contra el món, amb el seu racisme teòric i contra la vida, amb l’assumpció dels seus fracassos vitals. Aquestes actituds sublimades es tradueixen en una estètica meditada i unes tècniques estilístiques que duen al lector cap a la “por” i la “fascinació” d’un món de somnis i imaginació comparable al de JRR Tolkien o Robert E. Howard, amb més adeptes fora que dins de la crítica especialitzada.

Lovecraft fou abans de res, poeta. Aquesta actitud juvenil és fonamental per comprendre la construcció dels seus mons fantàstics i d’un estil que evoca tenebrositats (sense perdre de vista l’obra poètica madura, Fongs de Yuggoth, una obra d’una bellesa i musicalitat notables en opinió del francès). Això permet que el seu estil, tot i ser delirant i hipertròfic a vegades, contingui una “rara delicadesa” i una “profunditat lluminosa”.

Houellebecq contextualitza (amb una certa simpatia nihilista) la seva actitud pel buit “vital” de la seva joventut i sobretot pel fracàs marital i laboral durant l’etapa a Nova York, més rellevants que les seves opinions reaccionàries de joventut a recer dels WASP de Nova Anglaterra en els anys 1910-1920.

Perquè cal advertir que les seves creacions no s’adrecen contra cap ètnia en concret (encara que un cert biaix contra la mescla de races en algunes obres com en l’Horror a Red Hook). Aquest quixot autoconvençut de la seva superioritat racial i moral, disgustat per la modernitat, va transformar l’experiència de la babilònia moderna i la por a “l’altre” en relats i visions de malson, amb la substitució de ciutats i races alienígenes. El seu odi racial –o el seu odi a la humanitat “en abstracte” (com indicà una vegada la seva dona)– fou convertit en un fonament de l’estètica de la por.

Tampoc HPL no escriu sobre el fàstic de la vida moderna, sinó que el transposa –sublima- amb un estil que rebutja el «realisme» literari ancorat en la quotidianitat.

 

Les adaptacions actuals ofereixen una visió que incorpora el racisme com a element narratiu en Lovecraft Country, novel·la de Matt Ruff adaptada per HBO, o l’obra Ring Shout, de l’autor P. Djèlí Clark.

Els mites de Cthulhu

L’autor divideix l’obra de Lovecraft en cercles, de més a menys exteriors, segons la seva importància:

  1. cartes i poemes
  2. col·laboracions
  3. relats propis
  4. “els grans textos”

Afirma que és en els grans textos on el lector s’adonarà de la grandesa de l’autor, cànon compost per La crida de Cthulhu, El color caigut del cel, L’horror de Dunwich, El xiuxiuador de l’obscuritat, Les muntanyes de la follia, La casa de la bruixa, L’ombra sobre Innsmouth i L’abisme del temps.

En els relats, els protagonistes acaben sucumbint, superats pel sublim inefable d’aquestes monstruositats còsmiques indiferents: “són destruïts com marionetes” per les “races” primigènies. Aquesta actitud, que l’autor de l’assaig defineix com “masoquista” i no “sàdica”, és essencialment interessant i creativa, tal com afirmava Antonin Artaud. La por l’exerceix contra ell mateix, els seus personatges, i és compartida amb el lector. Un heroi lovecraftià és una víctima que escull el seu botxí.

L’erotisme no existeix en el seu univers estètic, el qual es basa en transmetre por i fascinació al lector. HPL és anti-erotista, és a dir, reaccionari davant del gust que llavors les revistes pulp publicaven. Tanmateix, considerava tota interpretació psicoanalítica com un “simbolisme pueril”. Aquestes restriccions estètiques, que en altres autors suposarien una limitació fatal, en HPL conformen el seu “imperatiu tècnic”.

HPL va publicar quasi exclusivament a Weird Tales. Aquesta portada correspon a un número de 1933, representant el gust dels lectors per una obra de Robert E. Howard.

Amb la tècnica de Lovecraft

Bona part de l’assaig tracta les seves tècniques narratives. La qüestió més discutida és l’ús dels adjectius i del llenguatge abarrocat, estil que abelleix els lectors amateurs, però que el mateix HPL desaconsellava als seus col·legues. És una contradicció que bona part de la seva obra sigui així, si bé en els grans textos hi ha un ús més contingut, la qual cosa no impedeix passatges d’explosió descriptiva, la funció dels quals està buscada conscientment.

Lovecraft sembla que no escrivia res que no sentís la necessitat de ser ben escrit: confessà que el fet d’escriure per escriure li donava mals resultats. Sentia fascinació pels mètodes i les estructures, i li abellia la perfecció tal com es pot comprovar en les anotacions i assajos del Commonplace book, un compendi de consells i mètodes narratius.

Houellebecq parla “d’atacs”. Comenta l’atac de força: les històries no acaben mai perquè els horrors són permanents i cada relat en conté de nous; l’atac teòric: la narració adopta una argumentació racionalista contra l’estil banal dels contes habituals; o l’atac brutal: la narració adquireix un to greu (un deix viril, de vida o mort) un cop els protagonistes han comprès la futilitat d’oposar-se a l’horror.

Les seves descripcions de l’espai adopten una narrativa progressiva i angulosa irreproduïble en el cinema o la pintura. Hi ha un element del sublim en els seus espais sobrenaturals, una teatralització, que aspira a la bellesa estètica de les catedrals; sagrada.

Els seus personatges, plans, esbossats amb dos o tres elements, són arquetípics: savis, curiosos o científics, majoritàriament, amb bones capacitats perceptives i deductives, l’acció dels quals és experimentar, és a dir, percebre. D’entre els sentits, sobretot el de l’oïda, que aporta una precisió lèxica d’allò que succeeix, perquè la vista es reserva per a l’horror final, la finalitat de tot plegat on carrega “l’explosió estilística”, o quan una anagnòrisi que desmunta la realitat. A diferència de la novel·la psicològica, els personatges de Lovecraft van del temor psicològic a l’horror material i repugnant.

Com en Lautréamont, el lèxic, del llenguatge científic serveix a la imaginació poètica: mots d’antropologia, geologia, fisiologia, genètica, matemàtiques, topologia, etc. articulen unes visions poètiques sorprenents d’implicacions tenebroses, al servei de la imaginació del lector. Com més inconcebible sigui l’horror, més precisa i clínica serà la descripció; perquè el terror ataca a la raó –element que comparteix amb el solitari de Konigsberg, Kant, qui també somiava en sobrepassar la humanitat.

L’efecte d’escala és un altre recurs usat per contrastar el temps o l’espai i despertar el vertigen dels poders inconcebibles. Juxtaposa un temps humà concebible amb un temps alienígena immens, o un espai humà euclidià, amb un altre de sobrenatural. En aquest horror de la desproporció hi ha un element d’allò que Kant definia com el sublim.

El xoc entre aquestes entitats i la nostra vida ordinària es complica, densificant-se a mesura que avança la narrativa, la qual cosa ens va convencent d’allò inconcebible. L’acció sovint segueix esquemes tancats i precisos, convergents (o de “pell de ceba”), amb una lògica dels esdeveniments acompanyada de “documents” que reforcen l’objectivitat del que està passant.

HPL a Brooklyn. 1931.

La part final de l’assaig tracta sobre el tema del racisme i les seves imbricacions estètiques. Aborda part de la seva biografia, però sap trobar-hi la coherència per afirmar la seva tesi, comparant l’estil descriptiu de les seves obres amb les de les cartes, on explica les seves experiències a Nova York; o comparant-lo, per exemple, amb l’actitud d’altres col·legues del cercle, o amb la d’altres autors del fantàstic (que defineix, en general, com a reaccionaris contra el món modern), dels quals Houellebecq afirma que “probablement senten que l’hostilitat a totes les formes de llibertat engendra l’hostilitat a la vida”.

Houellebecq rebla el clau amb una justificació estètica: “tota gran passió, sigui l’amor o l’odi, acaba per produir una obra autèntica. Hom pot deplorar-ho, però cal reconèixer-ho; Lovecraft és del costat de l’odi; de l’odi i de la por”.

Share This:

Publicado en Todo | Etiquetado , , , , , , , , , , , , , | 1 comentario

LAS MEJORES HISTORIAS DE HORROR

Forrest J Ackerman fou una personalitat de l’escena fan nord-americana durant bona part del segle XX. Fou agent literari, editor, autor i actor, però la seva tasca principal fou la de difondre i donar a conèixer autors de ciència ficció, fantasia i terror. Fou fundador de la LASFS, el 1934.

Entre altres mèrits, el 1953 se li atorgà un premi Hugo fet a la seva mida, #1 FAN PERSONALITY; també es considerava el creador del terme sci-fi, símil de hi-fi, i el major col·leccionista de ciència ficció, fantasia i terror del món.

Podeu veure’l en el videoclip Thriller, assegut darrera de Michael Jackson al començament, i escoltar-lo en aquest disc sobre la història (i la música) dels robots.

https://www.youtube.com/watch?v=1NeN1IkkzNo

Aquí, però, poc o res sabem (o sabíem) d’aquest home ateu, casat i sense fills, que duia l’anell de Bela Lugosi a Dracula mentre organitzava visites per la col·lecció de casa seva. Se l’anomenava afectuosament oncle Forry. D’haver viscut més anys, pot-ser l’haguéssim vist en un episodi de Big Bang Theory.

Però el fet és que el 1968, l’editorial Bruguera va acceptar un encàrrec editorial de l’oncle Forry.

Segons aquest contracte, en subhasta a ebay per 130$ en el moment d’escriure aquestes línies, l’antologia es va signar el 1967 amb el títol provisional HORROR ANTHOLOGY edited by F.J. Ackerman, amb l’afegitó de ser provisional. L’obra fou exclusiva pel mercat espanyol. Tanmateix, cada col·laborador de l’antologia rebria un exemplar de franc de la mà d’Ackerman. L’agent d’Ackerman a Europa apareix com Albert van Halgeland, conegut antòleg belga, i José Moya, co-agent de Halgeland a Espanya.

El títol final fou LAS MEJORES HISTORIAS DE HORROR; però el títol original d’Ackerman, ressenyat en l’obra, és molt més fidel al contingut: ANTHOLOGY OF WEIRD STORIES.

Coberta de Las mejores historias de horror. Ed. Bruguera. Libro amigo. 1969, Barcelona.

Entre l’horrible i l’estrany

L’edició, dins de Libro Amigo de Bruguera, forma part de la col·lecció Antologías, de les quals, l’editorial en va fer una àmplia difusió de gèneres com el fantasmal, la ciència ficció o el terror. Però en el cas d’Ackerman es van decidir pel terme HORROR en comptes d’ESTRANY, fet que potser el 1969 no tenia cap més rellevància pel lector espanyol que el ganxo editorial. Pensem que una de les primeres revistes d’àmbit hispà que es va dedicar a publicar antologies, Narraciones Terroríficas, d’editorial Acervo, als 1960 i 1970, es subtitulaba «cuentos de misterio» i incloïa contes humorístics.

Perquè el gènere d’horror o de terror hauria de tenir un objectiu clar: generar una atmosfera que provoqui un calfred o una sensació d’angoixa o basarda. Ara bé, les històries de l’antologia són WEIRD-FICTION, o si es prefereix, històries publicades en revistes “pulp” que van i vénen més enllà de l’horror, la ciència ficció, el policíac o el terror, encara que comparteixen la sorpresa d’allò insòlit o estrany, i sovint macabre.

Com apunta Rafael Llopis (a Historia natural de los cuentos de miedo), de totes les revistes pulp fou Weird-Tales (publicada entre 1923-1954) la primera exclusiva de contes de terror. Va agombolar autors i lectors, va educar el gust per tots els gèneres del fantàstic i de terror, i va donar un fort impuls a la ciència ficció. També va incloure i fomentar tots els subgèneres de contes «extrems», o morbosos que cauen en diferents subgèneres amb total llibertat. Això fa que sota el nom de Weird Tales i càpiga un «calaix de sastre» de diferents gèneres, qualitats i estils, no exclusivament de terror.

Bona part dels relats de l’antologia van ser publicats per Weird Tales, però en general tots han nascut en una publicació pulp. Les 668 pàgines que completen els 55 relats són un esforç generós d’Ackerman per a representar aquests subgèneres d’entre 1899 i 1969, majoritàriament nord-americans. El primer que notarà el lector és que bona part dels noms i obres no li són coneguts. Aquí en trobarà la llista de tercerafundación.

Com ell mateix indica en el pròleg, no li interessa antologar autors consagrats, “demasiado repetidos”, el 1967. Amb tot, Ackerman inclou obres poc conegudes d’autors consagrats com Decorado en la noche, de Ray Bradbury, La catedral de la cripta, conte cruel de l’anglès John Wyndham;  La venganza de Nitocris, de Tenessse Williams (testimoni d’un “gran” que de jove escrivia Weird Fiction el 1928); El invitado de Dràcula, relat que inspirà un capítol de l’obra d’Stoker; o Mil muertes, del polifacètic Jack London.

Hi ha 3 relats del mateix Ackerman (i tres en col·laboració, sota pseudònims) que poc aporten a la col·lecció a banda de demostrar que Ackerman (o Alden Lorraine, Laurajean Ermayne, Spencer Strong, o Weaver Wright) on millor sap desenvolupar la seva tasca de fan és donant a conèixer la dels seus col·laboradors.

Després de googlejar una estona, algunes d’aquestes biografies resulten més interessants que les seves obres. Autors aficionats que es guanyaven la vida amb una altra professió: científics, guionistes, il·lustradors, fans, periodistes, etc… però que trobaven en les revistes una vàlvula d’escapament.

A vegades fa la sensació que l’antologia és una nòmina d’autors per a introduir-se en l’escena de les publicacions pulp, o de les societats de ciència ficció; per exemple, el relat de Hanes Bok, Trágica magia, massa enmarcat pel narrador per a ser representatiu, és, però, un testimoni de la tasca d’escriptor d’un dels il·lustradors pulp més reconeguts, premi Hugo Best Cover Artist, 1953.

Així mateix, el relat que tanca la selecció, Último acto: Octubre, fou escrit per Edythe Eyde, pionera del moviment LGTBI de la costa oest, satanista i amiga d’Ackerman; tot i que és un relat correcte sobre una mainadera de moral reformadora enfrontada a una maledicció ancestral, crec que el desenllaç podria haver fet un altre pas de rosca.

A propòsit del gènere, Ackerman inclou un relat seu amb pseudònim, Ente de blasfemia, sobre un home convertit per un científic boig en una dona que ha de viure en un món d’homes.

Tigrina, Edythe Eyde, llegint un Weird Tales del 1945 (de https://turniplanterns.wordpress.com/)

Vampirs

Hi ha 8 històries de vampirs, de les quals en destacaria La muerte es un lugar solitario, de Bill Warren, ajudant d’Ackerman. El relat, del 1968, és una història romàntica no corresposta, entre un vampir nihilista i una acomodadora de cinema de matinades. És una anticipació d’aquell existencialisme vampíric que novel·larà Anne Rice, on surt ja el motiu de la nostàlgia per veure la sortida de sol.

A El invitado de Drácula d’Stoker li afegiríem el punt de vista de Cuestión de identidad, de Robert Bloch, l’ambientació històrica de Flores de Thüringen de Wade Wellman, o el plot-twist de Cenizas con cenizas, muerte con muerte, de Sathanas Rehan i G. John Edwards. Aquests, però, també mereixen una lectura pels seus estil narratius, variats i intensos.

Sobre Wellman, l’anècdota a recordar és que va guanyar William Faulkner en un certamen d’una revista pulp, Queen Mistery Magazine Award, el 1946, dos anys abans de rebre el Nobel, provocant una irada contestació contra l’editorial.

Per altra banda, la d’Stephen Vertlieb, La segunda muerte de Drácula, fou seleccionada a proposta del mateix Ackerman: un pel massa rebuscada, però, escrita amb el mateix estil d’Stoker, és una raresa difícil de trobar avui en dia, però que als 1960, en plena època Hammer, segurament no va passar desapercebuda.

El cercle de Lovecraft

S’inclou El desafio del más allà, potser l’obra menys canònica però més divertida del gènere, encàrrec fet a 5 mans amb altres autors de weird-fiction (C.L. Moore, A. Merritt, H.P. Lovecraft, Robert E. Howard, i Frank Belknap Long) per a la nova revista Fantasy Magazine de 1935.

Aquesta obra, val a dir, és una fantasia de les menys conegudes i publicades en espanyol (i per suposat, en català) on cada escriptor havia de resoldre una part del mateix relat. Sembla ser que F. Belknap Long va estar a punt de trencar la col·laboració per desavinences amb A. Merritt, i que gràcies a Lovecraft van poder resoldre aquest divertiment a cinc mans. No té res a envejar a un episodi de Rick i Morty.

Dins d’aquest gènere d’horror còsmic també destaca la primera versió de El habitante de las profundidades de Marte, de Clark Ashton Smith, un conte «massa horrible» pels lectors, però publicat finalment per Wonder Stories, després que Hugo Gernsback l’esporgués i modifiqués al gust dels seus lectors de sci-fi, la qual cosa va provocar l’abandonament parcial de l’autor. Val a dir que la història original, The Dweller in the Gulf, va ser restaurada posteriorment per Arkham House.

També caldria incloure el Dios-monstruo de Mamurth, d’Edmond Hamilton.

També hi són els editors d’Arkham House, August Derleth i Donald Wandrei. Derleth i el Doceavo cadaver del señor Birkett conté l’humor negre i macabre del conte cruel sobrenatural, mentre que La llama verde de Wandrei s’emmarca en un d’aquells relats curts del cercle de Lovecraft potser amb massa pirotècnia.

El conte cruel

Trobem, per exemple, diversos “contes cruels”, alguns d’ells emmarcats en els gènere de ciència ficció, bruixeries, o vampirs. D’aquests, el destí dels personatges sol ser macabre i amb un toc d’ironia, com en el cas de Derleth. Aquest tipus de conte, quan és sobrenatural, recorda molt als de EC Comics als anys 1940-50, amb les seves Tales from the crypt i d’altres, els quals van versionar alguns relats d’autors com Ray Bardbury.

D’aquests en destacaria La última cena, de l’escriptora Thelma Hamm, quasi un microrelat de ciència ficció; Oscar, de Cleve Martin, amb la seva metàfora del pastor mentider adaptada a un grup de bromistes de l’ocultisme; No, yo no! del francès folklorista Claude Seginolle, per l’estil surreal i experimental del flux d’escriptura; El martillo de Caín, de James Causey i Bill Blackbeard, una història d’obsessió sobre un objecte maleït, i sobre tot, La mujer muerta, de David H Keller MD, del primer científic –psiquiatra– en escriure de manera reconeguda weird-fiction.

Embarque de maldad, de W. S. Cobun Jr., encara que massa ingenu, és quasi un microrelat que fusiona dos mites ben coneguts: el del vampir i el de l’Holandès errant. Però menció especial tenen La escudilla de cobre, una aventura sàdica del Major George Eliot Fielding i Los deseos que formulamos, de l’escriptora Edna Mayne Hull, esposa de A. E. van Vogt, on un dimoni irònic i cruel juga amb la vida d’un condemnat a mort.

Coberta del Weird Tales, desembre de 1928, que publicà The Copper Bowl.

Històries estranyes

Hi ha altres històries que per l’extensió i l’estil són contes reeixits. La fuerza diminutiva, de Waldemar Kaempffert, és una excel·lent faula humana sobre la infidelitat i la gelosia, duta al cinema francès com a comèdia fantàstica per Pierre Kast, com Amor de butxaca el 1957.

El monstruo del mar, d’A. E Van Vogt, és possiblement la millor història de la selecció, sobre un predador en forma humana en un illot del pacífic; el valor de l’obra, però, no és tant l’argument sinó com està construïda la narració. Disputada potser amb El corredor, d’Ib J. Melchior, relat d’un futur distòpic en el qual es basarà el film de sèrie B La carrera de la muerte del año 2000, del 1975.

La baguita, del guionista Val Lewton, productor de la RKO, una narració que fa dubtar entre el mite i la realitat dels ritus de pas a l’edat adulta, o Las gaviotas lloran, de P. Schuyller Miller, una narració atemporal i mitològica, sobre una venjança atàvica.

Com es pot veure, el gènere no és l’horror, sinó la weird-fiction, els contes estranys, entesa com un supragènere que pot aventurar-se, o no, en diferens gèneres narratius alhora per donar forma a una història o un nou punt de vista d’un tema ja conegut. Un exemple de fusió de gènere d’aventures, ciència ficció i fantasmes és Los muertos andan con suavidad, de Sewell Peasle Wright, i d’opereta espacial, Dhactwhu… ¿Recuerdas? de Robert Lowndes i Weaver Wright (Ackerman), o la part de Robert E. Howard en El Desafio del más allà. Tanmateix, l’antologia compta amb la presència de dos grans de la ciència ficció i la fantasia: Theodor Sturgeon i Fritz Leiber.

Una de les virtuts de l’antologia és l’amplia variació de registres, temes i gèneres: se’ns dubte, Ackerman va fer una selecció per fer xocar formes, estils, llargades, punts de vista i sensacions de por o d’humor, la qual cosa fa difícil d’etiquetar el tast final dels 55 relats. Però la variació d’estils també aporta el seu granet de sorra: no se’ns farà pesat avançar pels seus encerts o clixés, foscors o claredats.

La weird-fiction fusiona gèneres i sovint els traspassa de la mateixa manera que alguns dels seus autors eren capaços de dominar diferents registres i gèneres. Amb tot, es poden distingir per temàtiques: llegendes i mites, vampirs, bruixeries, fantasmes o dimonis, ciència ficció i conte cruel.

Crec que si avui dia passem hores i hores en les plataformes de sèries i films, en part es deu a la tasca de definició de gèneres dels pulp, així com del folletí i del còmic. Parlem de literatura popular, majoritàriament d’evasió, producte de la nostra forma de vida industrial (avui ja post-industrial) on l’oci i el consum van agafats de la mà. Però així com avui en dia hi ha alguns d’aquests productes que valen la pena, també hi ha en aquestes weird-fictions algunes històries que per la seva qualitat mereixen la nostra curiositat.

Il·lustració de The Sea Thing, d’A. E. van Vogt, publicat el 1940 a Unknown.

La llei d’Sturgeon

“El noranta per cent de tot és brossa”

La meitat dels relats de l’antologia val la pena llegir-los. Però, tal i com va anunciar Theodore Sturgeon el 1957, si apliquem la seva revelació, hauríem de seleccionar 6 relats, que no vol dir els més divertits. El meu palmarès final de weird-stories és el següent:

  • El corredor. Ib J. Melchior
  • El habitante de las profundidades de Marte. Clark Ashton Smith
  • El monstruo del mar. A. E. van Vogt.
  • La baguita. Val Lewton.
  • La escudilla de cobre. Mayor George Fielding Eliot
  • La mujer muerta. David H. Keller.
  • Los deseos que formulamos. E Mayne Hull
Il·lustració de The Wishes We Make. Unknown Worlds, Juny de 1943.

Share This:

Publicado en Reseñas, Todo | Etiquetado , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , | Deja un comentario

Convocat el X certamen de microrelats fantàstics i de terror de Sants.

X Certamen de microrelats fantàstics i de terror de Sants

 

1. La participació en el certamen comporta acceptar aquestes bases.
2. El certamen és obert a qualsevol persona que hi vulgui participar i de qualsevol edat.
3. Les obres que s’hi presentin es poden escriure en català o en castellà.
4. No es poden presentar més de dues obres per participant.
5. Aquestes han de ser originals i inèdites, i no poden haver estat premiades ni publicades anteriorment.
6. Les obres s’escriuran en tipografia Arial (o similar), cos 12 i doble espai.
7. L’extensió màxima de cada microrelat és de 200 paraules (el títol també en forma part). Tanmateix, s’accepten proses poètiques, micropoemes, o poemes amb la mateixa extensió màxima, sempre que respectin la base 8.
8. Els microrelats hauran de proposar un conflicte que es resolgui amb la major economia de mitjans. Hauran d’orientar-se dins de la literatura fantàstica, terror o ciència ficció.
9. El guanyador del premi al millor microrelat en català s’emportarà 200 €, i el guanyador del millor microrelat en castellà 200 €. S’aplicarà la retenció fiscal que marca Hisenda, d’acord amb la legislació vigent.
10. Els enviaments es faran a l’adreça: microrelatsmarato@gmail.com, amb l’assumpte: “X Certamen de microrelats fantàstics i de terror de Sants”. No s’escriurà res en el missatge. Tan sols s’adjuntaran dos documents en pdf: el microrelat, anomenat amb el títol de l’obra seguit del pseudònim, i un altre document anomenat “plica” on hi constaran les dades personals de l’autor/a: títol, pseudònim, nom i cognoms, data de naixement, adreça, email de contacte i telèfon.
11. Tots els participants han de presentar-se amb pseudònim. El fet de ser reconegut per algun membre del jurat el pot desqualificar.
12. La data màxima d’entrega és el 10 de setembre d’enguany.
13. El Jurat, format per membres de l’organització del festival de la Marató de Cinema Fantàstic i de Terror de Sants  i elecosinpasos.com, determinarà el guanyador en la categoria única de català i castellà, i el reconeixement de dos finalistes per categoria. Es reservarà el dret a considerar desert un premi, o a fer-ne menció especial. Les seves decisions són inapel·lables.
14. El Jurat no mantindrà correspondència amb els participants durant el procés de selecció.
15. Totes les obres seleccionades es donaran a conèixer el 8 de novembre del 2022, a la pàgina web: cotxeres-casinet.org/marato i a elecosinpasos.com.
16. El veredicte del Jurat es farà públic durant l’actual Marató de Cinema Fantàstic i Terror de Sants, i es publicarà a la pàgina web: www.cotxeres-casinet.org/marato

Share This:

Publicado en Todo | Etiquetado , , , , , , | Deja un comentario

Twitter: una gàbia per a les masses

Font: El Periodico. Article de Carles Planas

Ara que l’home més ric del món està a punt de comprar la xarxa d’opinions més influent del món occidental (si no ho ha fet ja en el moment de publicar aquest article), sorgeix el dubte de si canviarà la seva estructura, de manera que es prescriguin valors i procediments diferents dels que ja hi són. En el disseny, tot canvi implica conseqüències i interpretacions.

Potser la manera d’entendre fins a on pot arribar una modificació d’aquesta xarxa sigui la d’analitzar el seu principal protagonista: les masses. Aquestes esdevenen tema d’actualitat entre els 1920 i els 1930, moment de consolidació d’una societat que ja no s’assembla gaire a l’anterior societat de “classes” d’abans de la Gran Guerra; talment avui ens podríem preguntar en què ha canviat l’actual societat postindustrial, i en què conserva el caràcter de la industrial; si hi encaixen conceptes com postveritat de la nostra societat líquida amb la manca de crítica o autosuficiència de la societat industrial.

José Ortega y Gasset ho va descriure en La rebelión de las masas, llibre de cert ressò internacional i que s’acostuma a citar entre les obres importants de l’autor. Precisament, en aquella dècada, Sigmund Freud publicà dos assajos relacionats: Psicologia de les masses i anàlisi del jo, i el seu El malestar en la cultura. Durant els anys 1930, un dels seus deixebles rebels, Wilhelm Reich, publicà Psicologia de masses del feixisme, mentre Walter Benjamin, ho feia al seu torn amb els seus assajos impregnats de criticisme i preocupacions estètiques, com L’obra d’art a l’època de la seva reproductibilitat tècnica, de 1935. Cal esmentar Aldous Huxley, qui en 1932 publicà Un món feliç, la distopia de la societat de masses industrial.

L’home-massa

Ortega y Gasset va recopilar una sèrie d’articles publicats amb l’assaig “¿Quién manda en el mundo?”, un epíleg per a anglesos i un pròleg per a francesos. En conjunt, La rebelión de las masas (1930) no pretén ser una obra sistemàtica, “Este libro—suponiendo que sea un libro—“, i és resol amb una aproximació (i allunyament) vers els punts principals replantejats a tot el seu llarg. En línies generals, és una defensa de les democràcies liberals, el projecte d’unió europea, i una advertència (i esperança) sobre les masses.

Tot i afirmar de fer psicologia, afirmació nietzschiana, filosofa sobre llocs comuns sense fer cap esment a la psicoanàlisi ni al conductisme, tot i afirmar haver llegit “alguna cosa de Freud”. Entre aquests s’hi troben conceptes encara ben elaborats i clars, quan estan exempts d’aquells “ortegajos” que feien arrufar el nas a Sánchez-Ferlosio.

Per a Gasset, les masses són un esdeveniment històric irrenunciable. El seu origen es troba en el creixement demogràfic des dels 1800, els processos d’urbanització, la millora tecnològica dels mitjans de comunicació, la reducció informativa del món, la divulgació científica, la mundialització industrial i econòmica, i la millora de les condicions de vida.

Gasset manlleva part de l’anàlisi de la “moral d’amos i esclaus” de Nietzsche, per a referir-se a l’home-massa i el seu contrari, l’home-exigent (representats per la multitud i les minories). L’home-massa és l’home mitjà; l’home vulgar d’una multitud que s’oposa a les minories qualificades o especialitzades. No solament comparteix les actituds, valors i idees de la massa, sinó que es valora talment ho fa la resta d’homes-massa, sense distingir-se per cap valor especial. És l’home indòcil que ha aprés a imposar els seus valors a les minories, tot usurpant la seva actitud, i a qui obeeixen els representants dels partits de masses (dictatorials o liberals) que viuen del tacticisme i sense projecte ni programa de llarg abast.

L’època del “señorito satisfecho”, la d’aquest pretès home nou de les masses que fingeix autenticitat (quan sap de veres que no és possible el que pregona) i es deixa emportar per les corrents del moment, també va arribar al món de la ciència en forma d’especialista.

Talment va denunciar A. Einstein en La meva visió del Món, en l’últim terç del segle XIX l’especialització va provocar la desarticulació del saber (“la segregació de l’esperit de la vida cultural” a favor de la competitivitat). Les conseqüències foren la substitució del savi per l’especialista (i avui, en el món d’audiències i celebrities de la societat líquida, cal afegir el “experto”, el “tertuliano” i a nivell de xarxes socials, “l’influencer”). Aquest canvi esdevé miopia i manca de visió general del paper de la ciència com a cultura i cosmovisió, però dota d’un fals prestigi l’opinió incompleta de l’especialista autosuficient.

Psicología de las masas y análisis del yo - Wikipedia, la enciclopedia libre

La psicologia de les masses

«El problema amb el món és que els intel·ligents són uns cagadubtes i els estúpids van carregats de seguretat”. -Charles Bukowski

En l’anàlisi de la conducta semblen coincidir superficialment Freud i Gasset. El primer centra la seva investigació en les masses organitzades per un líder o cabdill, perquè troba que aquesta estructura és més fàcil d’analitzar que les desorganitzades o crowds.

Freud sembla estar d’acord amb les afirmacions de Le Bon, les quals afirmen que l’home “contagiat” perd temporalment la seva capacitat individual de crítica; afirma que desapareixen les inhibicions (com en l’hipnotisme, la neurosi o l’enamorament) dins la massa, on hi conviuen idees oposades però aglutinades en comú. Així mateix, es desperten els instints de mort, encara que la conducta de la massa pot ser orientada vers accions morals.

L’anàlisi de la massa, a diferència d’Ortega, es centra en la dinàmica emocional i examina l’origen i els efectes com la pèrdua del sentiment d’individualitat provocada per aquesta  “inducció recíproca” que impulsa els homes a imitar la resta.

A banda de la dilució de responsabilitats, Freud afirma que l’actitud de rebuig cap els altres i la manca de crítica personal que caracteritzen a l’home induït per una massa presenten el mateix quadre que el complex narcisista propi de l’etapa infantil; aquest rebuig, però, desapareix temporalment quan existeix un enllaç eròtic amb les altres persones que la componen: objectes eròtics de durada limitada que encarnen les aspiracions d’un ideal moral que voldríem satisfer. L’home-massa se sent estimat per l’objecte extern amb el qual s’identifica, independentment de la seva opinió; ha substituït el seu jo-ideal (super-jo) per aquest objecte.

The Project Gutenberg eBook of Massenpsychologie und Ich-Analyse, by  Sigmund Freud

Esquema de la identificació entre jos i substitució de l’objecte exterior per l’objecte del super-jo.

En aquest sentit, Gasset afirma que l’home-massa destaca per la “libre expansión de los deseos vitales” i d’una “radical ingratitud” per les institucions que l’han constituït com a tal (tècnica, ciència i política). “Uno y otro rasgo componen la conocida psicología del niño mimado.” Després, afegeix que l’home-massa no coneix ningú que l’hagi sotmès, allò que Freud anomena “principi de realitat”, degut a unes seguretats i possibilitats mai gaudides en segles anteriors. Però Gasset no aborda l’objecte dels anhels no satisfets.

Moralment parlant, l’home-massa no té principis als que servir ni imperatius, i apel·la a si mateix quan justifica la seva conducta, de manera semblant a com ho fa l’infant o el primitiu en Freud. Per l’altra banda, l’home selecte s’exigeix més per seguir principis superiors (fet que Gasset emparenta amb la noblesa deslligada d’heretat), cosa que en Freud es correspon a l’home sotmès per les exigències del super-jo.

Aquesta manca d’exigència fa que l’home-massa no tingui opinió crítica ni pròpia (sinó gust per idees d’altri). Vanitosament creu en la seva suficiència i se sent conforme i segur amb el que pensa. Aquesta manca de normes és el que, segons Gasset, invalida el diàleg i els judicis, perquè la cultura necessita de principis per a poder apel·lar a raons; sinó, la manca d’elles és barbàrie: incerteses, imposicions o acció directa. “¿Para qué oír, si ya tiene dentro cuanto hace falta? Ya no es razón de escuchar, sino, al contario, de juzgar, de sentenciar, de decidir.”

Aquesta actitud es pot identificar clarament a les xarxes socials. De fet, aquesta manca de certesa, o apel·lació emocional dels fets, podria encaixar bastant bé amb el concepte de postveritat. “La masa –¿quien lo diria al ver su aspecto compacto y multitudinario?— no desea la convivencia con lo que no es ella. Odia a muerte lo que no es ella.” La massa, quan actua, diu Gasset, linxa.

El linxament i la normalització de la violència van de la mà amb el triomf de les masses, fet que es pot comprovar diàriament a les xarxes socials. La massa creu ser “estat” i per això deleja obtenir el poder o l’opinió de les majories, per tal de rebutjar les minories que la critiquen. Tanmateix, voldria que l’estat, amb el que s’identifica, burocratitzés tots els aspectes de la vida. En aquest sentit, Gasset apunta a la identificació que fa Freud amb el cabdill-objecte de la massa i que els populismes saben aprofitar.

Retrat de Charles Lynch

La societat de les masses

La psicologia individual i la filosofia ens poden permetre d’entendre millor les nostres conductes sota l’influx de les xarxes, o en la massa, així com el que s’espera de la conducta d’altri. Però és ampliant la mirada al conjunt que podem tenir una millor visió.

Lluny del pessimisme europeu divulgat per Oswald Spengler, Gasset afirma que una època de tantes possibilitats com l’actual (1926), on es mira cap al futur, només pot ser decadent si es prefereix amb nostàlgia la vida del passat, mai si es prefereix viure el present (afirmació vàlida en totes les èpoques). L’època actual, doncs, filla de les democràcies liberals, la ciència i la tècnica, permet viure “més” perquè conté més “coses”, i per tant, més activitat i potencialitat; però precisament per això genera majors inquietuds i més angoixa existencial que en el XIX.

Gasset, però, critica l’home-massa del seu temps per la seva «miopia» en l’ús de tècniques i idees, ja antiquades, i per la ingenuïtat de voler aplicar-les un segle més tard (talment avui, quan sentim argumentacions de fa un segle afirmades amb una rotunditat que pretén confirmar la seva vigència); així també, per l’esterilitat del raonament modern i la mancança de pensadors “forts” amb un projecte europeu basat en l’acceptació de les diferències nacionals i la superació en una unió. Es tracta d’una interpretació liberal: tan el bolxevisme com el feixisme són titllats “d’alboradas”, de reaccions en contra, de negacions de l’altre, i de manca de projecte futur.

En aquest sentit, Freud adverteix en El Malestar en la cultura, de la misèria psicològica de les masses, dels “individus que s’identifiquen recíprocament” i que amenacen la inhibició dels instints necessaris per a viure en comunitat, accelerada per una tasca galdosa dels polítics amb la seva manca de cabdillatge, la qual desinhibeix els desitjos de mort i agressivitat de les masses. No podríem avui afegir-hi la política internacional dels últims 10 anys amb l’auge dels populismes 2.0?

Una connexió entre Freud i l’escola de Frankfurt es troba citada per Zygmunt Bauman, a Vída Líquida (2005), quan recolza la tesi de Freud –que la massa desitja ser governada per la substitució del jo ideal per un objecte-líder–, amb la de Theodor Adorno: argumentant que la indústria ha sabut entendre bé aquest mecanisme alhora de satisfer el seu anhel infantil de seguretat i un grau d’excitació “mig en broma”, com si tot hagués de ser com és. Adorno oposa l’individu crític a la cultura de masses, i adverteix que la indústria cultural i la pressió de la massa per a satisfer-se amb els seus productes són un fre de l’emancipació individual.

Per la seva banda, Benjamin en fa una lectura ideològica de la massa com agent polític: és “un mode de comportament humà” al qual li correspon una orientació ideològica respecte les idees sobre la propietat privada: en pot anar a favor (feixisme) o en contra (comunisme). Aquesta orientació justifica l’aparell i l’escenificació dels partits o “l’estetització de la política”, representació que permet difondre una identitat i servir com instrument de persuasió. La massa no desitja ser instruïda, per la qual cosa, l’aprenentatge del seu entorn el fa a base de “xocs” i “catàstrofes” que els estats totalitaris prenen com a models.

A la massa li correspon la seva tècnica de reproducció històrica, que en aquest cas (1935) és el cinema, preferentment, la radio i les revistes il·lustrades; en la nostra, avui, hi afegiríem la televisió, les xarxes socials i l’streaming. La tecnologia, al desarrelar l’objecte del lloc i la tradició, substitueix la seva aura per un gènere massiu que busca la massa. L’objecte massiu substitueix el ritual religiós o estètic pel polític o ideològic, alhora que transvalora l’art: a la massa li agrada veure’s representada en aquestes reproduccions (en mítings, aglomeracions, desfilades, etc.); i avui en diríem en les tendències de les xarxes socials.

En altres assajos, Benjamin parla de la dinàmica de les masses en l’estat burgés. Aquest prohibeix i reprimeix el desig de les masses, deixant aflorar un complex sàdic i masoquista que es pot instrumentalitzar políticament i econòmica, gràcies als nous escenaris urbans: els aparadors dels grans magatzems i la publicitat, que permeten la difusió d’un nou pensament unitari: el consumisme. Aquesta cultura publicitària és possible amb l’adopció de del temps d’oci per les classes obreres, i impulsa la demanda dels mercats industrials.

Per altra banda, en aquests escenaris urbans és on “l’individu marginat” hi troba refugi en l’anonimat de la massa com a compensació, tal i com afirmava Kafka; i avui afegiríem, l’anonimat de la interfície o de l’avatar.

Aldous Huxley, en l’assaig “El món feliç tornat a visitar”, compara els mecanismes de control de masses de les dictadures totalitàries amb el de les democràcies lliberals: afirma que solament hi ha una distinció de grau, l’aturador de cert límits que no es poden traspassar. Huxley, com en Freud, destaca que la mobilització de la massa depèn de la inspiració que exerceix el líder i la capacitat de despertar “forces amagades” de la massa; pors, anhels i frustracions, o en paraules freudianes, instints reprimits. Afegiríem que l’estetització de la política (de Benjamin) amb el discurs esdevenen “verí de ramat”. En resum, l’identificació amb el líder i l’aparell propagandístic perjudica la crítica individual i consolida la massa, la qual hi troba una compensació pels seus temors per raó del furor i odi desfermats, respostes que alliberen noradrenalina i adrenalina. Aquesta explicació no sembla invalidar l’enllaç libidinós de la psicoanàlisi; més aviat el complementa.

Frankenstein, 1931

Frankenstein, 1931

Twitter, per a minories o masses?

Filòsofs de diferents èpoques han teoritzat sobre l’impacte de la tecnologia en les relacions dels individus de les masses urbanes, però les xarxes socials van accelerar i canalitzar aquesta conducta de l’home-massa.

Crec, però, que Twitter també és la plataforma de les minories i individus, o al menys en permet la seva existència. Principalment és mitjà escrit lliure que permet piular i esborrar un contingut. Però permet pujar imatges o vídeos, i la informació pot adquirir diferents nivells de significació alhora que pot exercir funcions expressives i poètiques.

El fet de ser escrita li aporta un lapse de temps entre lectura i escriptura. Aquest lapse per si sol no és suficient per fer perdre la “inducció recíproca” de la massa. Allò que se’n diu «respondre en calent».

Però aquest lapse entre lectura i resposta (o entre resposta i relectura) permet aplicar-se l’autocensura, o fer prudència de redreçar una resposta. Sovint ens trobem conscientment esborrant un piulet després de reflexionar un moment; mai abans (durant la inducció recíproca de Freud), ja que si hom no dubta no pot reflexionar per a inhibir-se.

Pel que fa a la conducta de la massa, la plataforma posseeix un indicador del cabdillatge, que és el nombre de followers. L’aplicatiu permet seguir, agradar o bloquejar, i en aquest sentit, el programa prescriu que 1) seguim algú, 2) ens poden seguir, o 3) podem indicar i compartir continguts. Qui rep més seguidors té major influència (comptant-hi els bots). Aquests líders esdevenen «influencers«, objectes-externs del jo-ideal dels seus followers, encara que aquests perden tot el seu impacte fora de la «cultura de la xarxa». 

La reacció d’home-massa indirecta –amb la interfície– té lloc després de llegir un “enfilall” o tendència. Bona part d’aquestes reaccions responen a la dinàmica de les masses que s’ha comentat abans: la suggestionabilitat, el desig de mort, la normalització de la violència (verbal) o el linxament.

Sempre esperem una reacció dels «avatars» a la nostra conducta. Aquestes reaccions són efímeres quan no transcendeixen la xarxa o esdevenen tendències. A través dels avatars, i les seves conductes amb els continguts o les tendències es fan identificacions recíproques. A més, la mascarada digital provoca la mateixa desinhibició i dilució de responsabilitats que en la massa. I tampoc podia faltar l’instint projectat per l’objecte del following: l’anhel dels “like”, substitut del vincle eròtic freudià (ara entre el hype, i els fanboys, trolls o haters).

Pensis ara en les possibles modificacions suggerides, com la de modificar un text, l’opció de “no m’agrada”, etc., i es podrà entreveure com la interfície determina la nostra conducta-massa. Si Twitter fos una aplicació en la qual s’atorguessin estrelles segons la qualitat dels raonaments (un algoritme que devalués la fal·làcia i premiés el pensament crític) caldria, doncs, preguntar-se si no es moriria com a plataforma d’opinió de les masses: l’home-massa no s’hi veuria representat, amb la qual cosa es convertiria en una plataforma per a minories especialitzades, i segurament acabaria en fracàs econòmic.

Potser seria fer-li un flac favor a la massa, ja que Gasset indica que l’home-massa no pot aprendre a ser crític ja que aquest es nega a ser “instruït” per la minoria, i tan sols pot desenvolupar un “gust” per certes idees, mai un pensament crític propi.

Twitter representa una tècnica o mitjà en concordança amb la seva època històrica, la societat de la informació postindustrial: qui sàpiga acabdillar les opinions sap que és una eina eficient, sempre que els followers percebin (o creguin percebre) l’amor d’un objecte-following que encarni ideals i valors en opinions d’home-massa.

Donald Trump Twitter Feed Tweets | Factbase

Dit això, la gràcia de Twitter és la llibertat de seguir qui vulguis, amb la capacitat de poder seleccionar els seguidors amb el veto del «block» i el «cadenat», elements que usen aquells que no volen veure’s qüestionats pel biaix ideològic de certes opinions, o directament linxats. Si bé aquest fet pot semblar autoritari, crec que en realitat ens allunya dels models de submissió i la intolerància no passa de ser «virtual», encara que alguns fiscals no ho vegin així. En tot cas, com que seguir algú és un decisió individual i gratuïta, de la mateixa manera ho és bloquejar algú o purgar un enfilall.

Pel que fa al paper del follower, el fet de poder deixar de seguir l’objecte del following aporta la llibertat d’escollir auditori, o tendència, i per tant, configurar-se com a membre de masses o minories, alhora que tampoc impedeix capbussar-se temporalment en el «soroll i la fúria».

Potser el malentès ve de confondre una “tendència” amb una àgora. La identificació és més clara amb un bar, un camp de futbol o un plató d’audiències: l’espai on identificar-se recíprocament amb l’anonimat de la massa. La plaça pública de la que parlava Nietzsche: plena de mosques i histrions, bufons esvalotadors, gent del si i del no.

Perquè Twitter té un potencial de recerca i difusió de coneixements molt valuós un cop s’ha trobat tema i minories especialitzades. Fora d’aquests casos funcionals, no es pot pretendre atribuir naturalitat entre individus a una interfície dissenyada per a les masses.

Finalment, caldria preguntar-se el paper de la censura que s’aplica arran de les denúncies (que pot respondre a un linxament, bots de control, o a l’últim, l’administrador). Més encara, el paper de la censura i tancament de comptes pels continguts difosos obre interrogants sobre la llibertat d’expressió en una xarxa, que tot i ser privada té un impacte públic d’abast internacional, en el món real, un soft power difícilment mesurable, com en les primaveres àrabs o la guerra d’Ucraïna.

S’ha de convertir la plataforma en educador, i per tant, en inhibidor del “desig de mort” de les masses? És responsable de condicionar i canalitzar les opinions de la massa castigant els usuaris amb la Twitter Jail? O, per contra, és injustificable la pèrdua de llibertat d’expressió per opinions que ataquen interessos geoestratègics?

Cultura o propaganda? O potser, les dues coses?

Share This:

Publicado en Esbozos, Reseñas, Todo | Etiquetado , , , , , , , , , , , , , , , | 1 comentario

La complexitat del món

Jorge Wagensberg planteja en Ideas sobre la complejidad el mundo els principis de la termodinàmica com a model de coneixement. Explora, a més, la possibilitat que serveixin a l’ètica i l’estètica, analitzant les semblances i diferències entre les diferents formes de coneixement. Globalment, emmarca aquesta discussió en la complexitat dels sistemes com a nou paradigma (1985), mentre que en els últims segles havia estat el contrari: la senzillesa.

Aquesta inversió del paradigma clàssic obre la porta a entendre la realitat actual a través de conceptes tradicionalment foscos com atzar, probabilitat, dissipació, no equilibri, fluctuació, irreversibilitat; i d’altres més clars com adaptació o organització. Aquest assaig es justifica, com en Aristòtil, per la inquietud que torba el nostre esperit, actualment, i es desplega en forma de “cercles virtuosos” (espiral), integrant els capítols en el següents: des de les lleis de la termodinàmica (la ciència dels equilibris) fins arribar a l’estètica i les utopies.

Wagensberg introdueix una primera tesi: en l’essència del canvi es troba l’atzar. Persegueix el  concepte des de diferents aportacions de físics i filòsofs, com Newton, Einstein, o el dimoni de Laplace. Les aportacions de la física demostren que el coneixement pacta amb l’atzar, ja sigui establint “marges” o “probabilitats” limitades a un camp de la realitat, per a poder resultar funcionals. Es podria dir, com a ideal del científic, que “l’atzar es redueix a mesura que creix el coneixement”.

https://www.cccb.org/es. CCCB

La termodinàmica

Els principis de la termodinàmica expliquen la complexitat dels sistemes i la relació amb els seus entorns, models de qualsevol tipus d’organització. Aquests estableixen la conservació de l’energia total d’un sistema que es transforma, la irreversibilitat del temps i el paper dels canvis en les evolucions. L’entropia, S, creix durant les transformacions d’energia i representaria la desinformació de l’observador sobre els canvis del sistema, és a dir, una mena d’atzar epistemològic. A més, el temps s’explicaria com la consciència dels canvis provocats per aquesta en els sistemes (és a dir, relatiu a cada sistema).

L’equilibri termodinàmic, per contra, representaria la finalització d’una interacció d’un sistema fins a un estat que no canvia, aïllat de l’entorn. Però en un sistema obert, que sí interacciona, es parla de l’estat estacionari (situació estable de no equilibri), quan el sistema conserva la seva organització, compatible amb les fluctuacions d’una entropia reduïda i constant. En conseqüència, un sistema obert és un sistema viu que canvia matèria i energia amb el seu entorn.

Quan un sistema s’allunya de l’equilibri termodinàmic comença a canviar el seu estat i hi entra l’atzar. El règim nou en termodinàmica s’anomena no lineal, i expressa aquest factor entròpic d’atzar que pot acabar provocant nous estats. Els sistemes que perden equilibri es veuen afectats per la més mínima fluctuació, la qual pot provocar un canvi en el sistema (un fracàs adaptatiu entre el sistema i l’entorn) però aporta un nou element creatiu d’adaptació del sistema (com en el cas de les mutacions genètiques). El progrés d’aquestes fluctuacions acaben autoorganitzant el sistema en un nou cicle, quan la informació del sistema i l’entorn esdevenen en equilibri.

Determinisme i indeterminisme

En els canvis, doncs, neix l’atzar. El seu paper depèn del que entenguem per aquest, però el que li permet treballar a la ciència és l’atzar epistemològic, és a dir, com ignorància o manca d’informació, i sempre a la cua d’una cadena de coneixement, on aquest ja no pot predir el que passarà i els fets resulten incomprensibles i contingents. Segons Kurt Godel i el seu principi d’incompletud, sembla que l’atzar (o un cert marge d’atzar) està garantit pels límits del coneixement. Amb tot, però, l’estadística i les lleis dels grans nombres poden establir valors mitjans de probabilitat en sistemes grans, cosa que no passa en sistemes en desequilibri on el valor mitjà ja no és el més probable.

Determinisme i atzar fan referència a com entenem el canvi: el determinisme està en la llei, no en la natura, encara que per seguretat creiem que la llei replica la natura i, per tant, aquesta és determinista; aquesta actitud s’origina, segons Schrödinger, en la filosofia grega i el seu logos: el principi de comprensibilitat del món (o de la seva reducció al llenguatge) i de la separabilitat entre ment i matèria. D’igual forma, l’atzar útil és l’epistemològic, ja que un atzar ontològic, o “en si”, és indescriptible en ciència. Culturalment associem l’atzar a la por, a l’imprevisible, al destí o el fat, i doncs, la història de les idees i del coneixement científic ha anat en la direcció de reduir el seu impacte sobre nosaltres.

Les conseqüències pràctiques, l’anàlisi lògic dels seus enunciats i el falsacionisme de Popper, han dut als científics a adoptar  dues actituds no del tot irreconciliables: l’actitud determinista on es recolza la fe del científic-aplicador, i l’actitud indeterminista, on ho fa la fe del científic-creador. El determinisme ajuda a descriure el món, i l’indeterminisme ajuda a fer progressar-ne el seu coneixement. Sigui com sigui, ambdues confereixen un caràcter de veritat provisional que justifica la tasca de cada científic en la construcció d’una imatge del món.

Els límits del món, però, s’imposen, i quan el científic ja no pot experimentar realitats massa inaccessibles, ni observar-les, pot, en canvi, i avui gràcies a la informàtica, simular-les. Les simulacions donen unitat a un conjunt de parts codificades en dades (encara hi ha parts de l’univers que no són codificables per les seves ingents magnituds) i ens permeten veure el comportament d’una regió inaccessible i experimentar amb ella.

L’Estètica

L’últim terç (o el primer si el lector comença pel final, tal i com suggereix l’autor als neòfits) de l’assaig està dedicat a la reflexió filosòfica sobre l’estètica i política, com a resultat de l’anàlisi dels principis apuntats anteriorment. Comença definint la naturalesa de l’art com a forma de coneixement sobre els successos del món, i demanant-se si aquesta és comparable a la científica.

A diferència d’aquesta, l’art és lliure i no està necessàriament acotat per lleis. L’únic principi aplicable a l’art és que comunica complexitats, sense necessitar comprendre-les, ja que sols expressa la representació de la complexitat en l’artista: es tracta d’una autocomunicació transmissible, encara que mai podrem saber si aquesta arriba exactament igual als espectadors, encara que s’afirmi o és negui tal possibilitat. Wagensberg estableix el principi de comunicabilitat de complexitats no necessàriament intel·ligibles com la base de l’art.

Respecte a la ciència, l’art és la continuació del coneixement per altres mitjans, substituint el principi d’intel·ligibilitat per el de comunicabilitat, mitjà sovint ha estat promogut per les religions per tal de comunicar veritats inefables, o censurat pels totalitarisme precisament per por a la transmissió d’aquestes veritats. Aquest principi, comparat amb el de la intel·ligibilitat del món en ciència, és ben diferent: l’art representa complexitats interpretables que poden ser transmeses.

Si bé és cert que la transmissió completa és un petit miracle emocionant entre dues ments (ja que el receptor creu comprendre la complexitat “en l’autor” i no la complexitat en ella mateixa –i l’autor, que sí ha transmès la seva representació, creu que aquesta ha estat compresa, encara que no sigui “en si”–). “Una obra de arte es un acto de pares de mentes, todos con idéntica complejidad emitida, pero todos con distintas complejidades recibidas.”

El pitjor que pot passar és que una obra no transmeti res, no generi opinió, o no arribi a ser rebuda per cap ment-contempladora. Aquesta opinió de l’altre és el resultat final de la transmissió i implica tanmateix un judici. L’art és, també, a diferència de la ciència, inseparable del seu creador i estil, la qual cosa implica que l’art no es pot ensenyar com una teoria científica, sinó com a història o judicis estètics. El creador, a més, se’l suposa sincer i autèntic en tant que és artista, i encara que cerqui mirades objectives aquest és inseparable de la complexitat representada.

Com a coneixement, l’art és remei contra les pors i les incerteses. Quan identifiquem en l’altre el nostre conflicte o temor reduïm l’aprensió a que el temor sigui únic en nosaltres, ja que és compartit amb un altre ésser, i la complexitat deixa de ser sinistra i pot tornar-se familiar. A més, al rebre la complexitat i creure comprendre-la, s’experimenta un plaer estètic (bellesa, sublim, etc.): una seducció que tanca el cercle creador-contemplador, els quals ara comparteixen certes complicitats del món on cohabiten.

L’artista pateix, cerca sense mètodes, experimenta, sent por i intenta representar-ho amb una forma d’art. Al crear, segons la psicoanàlisi, sublima un instint reprimit, encara que Wagensberg és de l’opinió que es tracta d’un mecanisme per evitar una por atàvica al desconegut, per raó de què és una forma de coneixement. Tanmateix, es poden distingir dues  actituds com en ciència: l’artista-treballador i l’artista-innovador; i com en ciència, la interacció entre aquestes actituds esdevé dialèctica.

Però l’art no evoluciona com la ciència perquè no li interessen totes les complexitats (tan sols quan impliquen una perspectiva humana i en un moment donat de la història), i les seves tècniques (i l’estil conseqüent) són tantes com obres acabades. Els temes, llenguatges i tècniques tampoc influeixen en la història, encara que poden representar-la clara o de forma premonitòria. En canvi, la ciència si que canvia la història de l’home, i de retruc, la de l’art. Tampoc la ciència té un públic consumidor ni un crític de judicis estètics que poden canviar el valor de la transmissió de l’obra.

El que sí succeeix com en ciència és que cada nova complexitat d’un moment, l’art pot requerir una innovació en el llenguatge, principalment, doncs aquest té l’obligació d’avançar-se a les complexitats per a transmetre-les, i és estrany veure un grau d’assoliment perfecte entre llenguatge tècnica i tema (sols els grans genis) com a solució única.

El llenguatge artístic transita fàcilment entre música i pintura (oïda i vista); tot i les limitacions hi ha unes simpaties: to, melodia, volum i timbre es corresponen amb color, figura, intensitat i textura. També pot retornar a etapes anteriors, a diferència de la ciència, com un renaixement i reintegració, o com una recreació nostàlgica fora del seu temps, condemnada a una nostàlgica inautenticitat.

L’art entra en crisi quan hi ha un desequilibri entre la producció artística, poca o de baixa qualitat, i la realitat individual i social, que en demana més, però en tot cas, no es pot provocar una evolució fins que no arriba el moment.

Archivo:Insel Utopia.png - Wikipedia, la enciclopedia libre

Titelholzschnitt aus Thomas Morus’ Roman Utopia. 1515. Wikipedia.

Política

L’últim capítol (o el primer) està dedicat a es utopies: models límits per a orientar el canvi. Són quelcom necessari per a què el Present es mogui en una direcció. Aquestes impliquen una profecia autoacomplerta que és una contradicció: la utopia és la fi del canvi, un estat d’equilibri que s’ha aïllat a les fluctuacions de l’entorn on ja no cal canviar res, i per tant, també és la fi del temps. Wagensberg fa servir una imatge suggeridora: l’horitzó d’una esfera sobre la qual es camina per arribar-hi.

Les utopies europees descansen sobre la concepció lineal del temps, tal i com proposen les religions monoteistes: la promesa d’un demà millor que el present és el seu mecanisme i la garantia de què la societat està activa, i assegura un desequilibri del sistema “viu” que el fa adaptar-se a l’entorn fins arribar a un estat “estacionari”, que no variarà fins que variïn les condicions de l’entorn. Al igual que en termodinàmica, la transició a un nou estat implica l’autoorganització del sistema, rebel·lant-se contra les condicions de l’entorn i les estructures, quan les fluctuacions (l’atzar) esdevenen determinants. Evolució i revolució es corresponen amb adaptació i autoorganització (contra normes i ordres).

Les utopies pretenen ser absolutes per mantenir el seu poder, però son contingents a l’adaptació, i envelleixen. Això ens recorda que, com en termodinàmica, no hi ha cap trauma en creure en una idea bona en una etapa adaptativa, i en una altre de diferent en una nova etapa.

A mesura que el sistema és més complex aquestes esdevenen més complexes, tal i com apunta la teoria de la informació: “la complejidad de un sistema menos su capacidad de anticipación con respecto a su entorno es igual a la incertidumbre del entorno menos su sensibilidad con respecto al sistema.”

Dit d’una altra manera, les creixents complexitats de l’entorn obliguen al sistema a adaptar-se abans que entri en crisis. “Interesa que nuestra lucidez no llegue a privarnos de nuestro derecho a soñar, pero conviene al mismo tiempo que sea suficiente para despertar si descubrimos que caemos en el vacío.”

Les ideologies que recolzen els règims polítics també es poden contemplar com a sistemes morals aplicats a un entorn o realitat socioeconòmica. Quan els principis ideològics es justifiquen per principis absoluts o causes irrefutables, fent servir el principi de comunicabilitat la ideologia esdevé compatible amb qualsevol conseqüència de la seva aplicació (i, per tant, irrefutable). Aquestes no són bones per l’home perquè no defensen el canvi, essència dels sistemes vius. Les ideologies que es defineixen amb principis d’intel·ligibilitat, podrien ser acceptades en tant que siguin “adaptables” o rebaixades en intensitat (com el marxisme).

La raó és ben senzilla: el Poder es justifica en una ideologia per exercir unes lleis que mantinguin el sistema. Quan la ideologia ha estat falsada, el Poder, però, no canvia d’ideologia voluntàriament (ni això implica sempre que la contraria sigui millor). Canviar una ideologia, però, requereix molt esforç, sang i patiment humà, perquè les ideologies només es poden falsejar quan han arribat al poder i despleguen el seu programa, i l’alternativa de no assumir-ne cap ja és una ideologia conservadora.

Anular les ideologies no seria una solució, afirma Wagensberg. A dia d’avui, on els sistemes son més complexos que les seves ideologies bicentenàries, la ideologia hauria de néixer de la pràctica entre les persones, i créixer amb la fe local de l’adaptació (contingent), i no de les principis necessaris, la qual cosa implicaria una ètica de costums i de tolerància.

https://asia.nikkei.com/ (Nikkei montage/AP)

Share This:

Publicado en Reseñas, Todo | Etiquetado , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , | 1 comentario

Relació de lectures del 2021

D’un total de 37 lectures, enguany en destacarem les següents:

Pel que fa a la poesia, recomanem El llibre de les meditacions, de Feliu Formosa, lleu i pregon alhora, amb aquella qualitat del vent. Deixem fora les antologies de poemes (Espriu, Dante, Petrarca, Guerau de Liost, Estellés i els surrealistes), ja que trobo impossible fixar una idea general, i són massa extenses que fa de mal indicar un per un els més memorables. Cal, però, recordar que Espriu és un must (Cançons d’Ariadna i El caminant i el mur), els Somnis, de Liost, un assaig rítmic i lèxic entretingut, encara que un tant tronat, i que de la immensa obra d’Estellés qualsevol tria pot ser la bona, ja que porta la tradició i el quotidià perfectament muntats en la mirada, tot i que no exempta d’ingenuïtats.

Pel que fa a la prosa, enguany té un paper preferent la ciència ficció (un 30% del total). La lectura més important, potser hagi estat Exhalació, de Ted Chiang, absolutament recomanable.  La resta no són cap sorpresa: Asimov i el Jo Robot, Bradbury i les Cròniques Marcianes, i Walden II, d’Skinner, encara que aquesta última podria ser perfectament un assaig. Cal recomanar a banda Philip K Dick i el seu “Somien els androides…” i “L’home del castell”; novel·les que han estat dutes a la pantalla i que han perdut part del seu significat original, humanístic i transcendent. En aquest àmbit encara hi destaquen dues sorpreses: El dia dels Tríffids, de John Whyndam (o si es vol, la novel·la que inicià els apocalipsis d’origen humà, i que conté passatges cruelment humans) i El temps de la nit, de William Sloane, una obra infravalorada i que amaga una estructura i un tempo pausat però irrefrenable, híbrida entre la Lost Generation, el noir i el pulp.

En un altra categoria hi destacaria El salari de la por, de George Arnaud, el qual sap transmetre d’una manera completament natural la sensació de pànic i angoixa dels conductors novells. Sobre el pas a l’adolescència, La fira de les tenebres, de Bradbury, és un espectacle de prosa poètica alhora que una narrativa de novel·la fosca d’adolescents (un must d’Stephen King). També són petites sorpreses l’Ase d’Or d’Apulei, amb el seu compendi de màgia, faules i aventures, i Laia, de Salvador Espriu, per la seva capacitat de generar atmosferes.

Finalment, indicar les visions cosmogòniques i sovint esfereïdores dels textos mitològics de Gilgamesh, el Bhahavad Gita i els textos del les Eddes.

[embedyt] https://www.youtube.com/watch?v=QHWA_bk7a4Q[/embedyt]

Share This:

Publicado en Reseñas, Todo | Etiquetado , , , , , , , , , , , , , , , , , , | Deja un comentario

FINALISTES DEL IX CERTAMEN DE MICRORELATS FANTÀSTICS I DE TERROR DE SANTS

IX CERTAMEN

EN CASTELLÀ

  • Carnicería – Homo Homini Lupus.
  • Cuéntame un cuento
  • Fractal 
  • La psicóloga 
  • Proceso de selección 
  • Resistencia virtual 
  • Retroceso 
  • Si la montaña no va a Doña Paquita… 
  • Un hombre familiar  
  • Uno con noventa y nueve 

EN CATALÀ

  • Amic invisible 
  • La balada 
  • La que sorgí del grop 
  • L’amiga discreta 
  • L’àpat  
  • Llunes 
  • Mazu 
  • Probabilitats 
  • Un nou món
  • Violència lenta

En breu els podreu llegir al següent enllaç: https://cotxeres-casinet.org/marato/contingut/microrelats/

Share This:

Publicado en Todo | Deja un comentario

El Laocoont, o les interpretacions.

Laocoonte. Ed. Folio

L’escriptor Gotthold Efraim Lessing (1729-1781), nascut a Kamenz, publicà el que es considera el primer assaig modern de crítica estètica, el Laocoont, el 1766 a Berlín. De ben jove, li serà retirada una beca a conseqüència de la publicació d’uns articles sobre renovació estètica; a Leipzig s’inicià en el teatre, però els deutes li obligaren a viatjar a Berlín el 1748: allí es donà a conèixer en gasetes, revistes i diaris, i amb tant sols 20 anys les seves crítiques foren admirades i temudes, temor que al llarg de la seva vida augmentarà la seva nòmina de detractors. A partir de llavors, diferents fracassos i xocs l’obligaren a dur una vida marcada pels retirs, viatges i les dificultats econòmiques, però dedicada plenament a la creació i la crítica estètica.

Fou secretari de Voltaire (admirador primer i detractor més tard), traductor, escriptor, llibreter, impressor, crític literari i d’art i bibliotecari. Incansable enraonador, preferia el dubte constant i la investigació que la conformitat de les veritats generals. Goethe restituí el seu nom  per a l’Sturm und Drang; i resumí l’impacte del seu Laocoont com a un “raig de llum” sobre el lliure pensament, gràcies a la refutació del principi ut pictura poesis (com la pintura així en la poesia), atribuït equivocadament als Antics: cànon del gust oficial que reduïa la poesia a una imitació de la pintura, i que Lessing aconsegueix transvalorar-lo al redefinir els límits entre els seus principals camps d’actuació: la bellesa i la imaginació.

Gotthold Ephraim Lessing. Font: Viquipèdia.

Una disputa entre Antics i Moderns (encara).

Lessing comença amb un prefaci on afirma que el gust actual està falsificat. Indica que els moderns han subestimat als antics, pel que fa al gust, i avui es troba bona la “poesia descriptiva” (que no diu res) així com la “pintura al·legòrica” (que parla sense saber què i com dir-ho). Tot seguit introdueix el conjunt escultòric del Laocoont com un pretext per encetar el debat sobre el gust per les formes, i es pregunta si aquest pot representar en realitat una escena narrada en la poesia (de la Il·líada o l’Eneida) i, en conseqüència, si els autors tenien intenció de representar un “crit de dolor”. Al llarg de l’assaig, Lessing al·ludirà a les opinions dels crítics com el Comte de Caylus o Winckelmann, rebatent punt per punt els arguments que els enllacen amb la seva exposició.

Lessing afirma que el gust plàstic dels Antics estava subordinat a la bellesa, un principi que impedia que es representessin emocions desagradables o lletges, i que tenia com a resultat l’atenuació o disminució del gest i l’expressió fins arribar al punt, en alguns casos, de velar el rostre dels personatges turmentats. Aquest seria, doncs, el punt de partida del Laocoont i les obres mestres de l’Antiguitat: l’expressió de dolor i tensió musculars no representen el clímax d’horror que es narrat en els poemes èpics; així mateix, el llenguatge de les mans resulta molt més suggeridor per a l’espectador; tanmateix, la nuesa dels personatges ha sacrificat el vestit (de la narració) a favor de la bellesa corporal.

Partint d’aquest punt, Lessing delimita la veritat de les arts plàstiques a la representació “de l’instant”, i per tant, a l’elecció del moment que expressi i commogui la imaginació segons l’autor. Aquest instant precís no ha de coincidir ni amb la crisis de l’execució de l’acció, ni tampoc amb el clímax més terrible o desagradable, ja que ha de servir tant a la bellesa com a la veritat, i poden representar-se en un moment anterior o posterior (aftermath).

Prenent com a models Virgili i Homer, els límits de la poesia són ben diferents: la narració dels crits no són “els crits mateixos” proferits pel sacerdot, per la qual cosa, la representació del terrible perd la seva qualitat desagradable (o ridícula); a més a més, la poesia es basa en la successió d’accions en el pas del temps, i no en el pla d’un sol instant, de tal manera que el valor del text sempre està en relació amb el que s’ha dit abans i el que es diu després. Sobre la personificació en l’èpica, els actes heroics revelen el que hi ha de diví, mentre que les queixes revelen l’home sense el qual no pot haver tipus humà, com en el cas del sacerdot Laocoont; cal, però, que cada tipus reveli la seva naturalesa: “els moderns no creiem en semidéus, però segons la nostra manera de pensar fins hi tot l’heroi més insignificant ha de sentir i portar-se com un semidéu.”

Font: Viquipèdia.

Sobre la pintura i la poesia

Establint els ponts entre pintura i poesia, Lessing posa en dubte que una bona descripció poètica sigui traduïble a una pintura mestra, atorgant-li un paper més important a la primera, que no pot imitar la pintura sense un “malbaratament d’imaginació”. La pintura, per contra, quan surt del seu àmbit representatiu cau en el “mal gust”. De fet, el punt d’unió d’allò bo d’ambdós mitjans, visual i textual, és quan atreuen pròpiament la nostra imaginació. Un altre punt de connexió important és que ambdues es poden fer servir com eines d’interpretació artística en doble sentit: amb l’art podem interpretar la poesia i viceversa, però això implica conèixer els límits i funcions de cada llenguatge.

No és d’estranyar, doncs, que hi hagi imitació entre elles, d’aquí que Lessing critiqui una nòmina de crítics i erudits que consideren la imitació de Virgili el criteri estètic a seguir del Laocoont. Així, cal anar en compte a l’hora de valorar estèticament “temes” de l’Antiguitat, ja que podria ser que els artistes imitessin una font diferent als textos supervivents, i l’obra representada no fos una còpia infidel, de la mateixa manera que una obra amb massa elements religiosos no és fidel a l’artista que s’ha posat al servei dels sacerdots, deixant de banda el seu lliure albir: hi ha una gran diferència entre la imitació (la representació de la natura o la imaginació) i el plagi (la imitació de la imitació).

Mentre que el llenguatge de la poesia fa ús d’abstraccions i de noms, la pintura, quan la imita, els ha de representar al·legòricament per necessitat, ja que si no l’espectador no els pot interpretar com a tals. Quan la poesia, però, es carrega d’emblemes i simbolismes es converteix en un “ninot”, ja que el llenguatge visual funciona diferent en el discurs. L’única excepció al símbol vàlid en poesia són els “instruments”, o aquells objectes que associem a les accions atribuïdes a un personatge, i que Lessing anomena “atributs poètics”, o “anàlegs” en tant que són extensions de l’acció (i per tant no al·legòrics).

L’execució en pintura o l’escultura és més complexa que en poesia, i el seu mèrit radica precisament en la seva execució (més que en la invenció del tema). Per això, el gust tendeix a no restar-li mèrits quan es tracta d’una còpia. Quan aquesta assoleix una “imatge de conjunt” i es pot copsar en la primera mirada la fi i el sentit de la composició, així com el que fan o diuen els seus personatges, podem dir que és una bona obra; l’efecte contrari seria quan després d’aquesta primera mirada, la composició ens obliga a reflexionar sobre la manca de sentit del conjunt. Es per això que es recomana als artistes tractar temes coneguts per l’espectador (temes clàssics o històrics, en l’època de Lessing) que permetin copsar-los d’una mirada.

Hi ha escenes poètiques que són intraduïbles a la pintura, ja que com a representació d’un instant es veuria molt limitada. Un d’aquests casos és la representació de l’invisible. Quan parlem de déus, la poesia eficient economitza la descripció amb el nom i l’epítet, i l’acció: són poders divins que no es veuen. La pintura, però, ha d’evitar evitar representar l’invisible amb el visible (és a dir, un déu físic, núvols divins, etc.). Un cas és el de “el núvol homèric”, recurs poètic usat per fer desaparèixer personatges, i que en la pintura es representa literalment, exigint una convenció antinatural a l’espectador. L’efecte pictòric elimina el poder diví que assoleix la imaginació amb la lectura. Tanmateix, un déu o una abstracció no es pot representar com un humà corrent, ja que el cos ha de reflectir en proporció el seu poder, i en tant que es representen humanitzats, depèn dels emblemes incorporats per a ser identificats.

Sacrificio di Laocoonte. Pompeia. S. I dC.. Font: Viquipèdia.

La poesia també pinta

Pel que fa a la qualitat pictòrica de la poesia, aquesta pot representar “quadres poètics” o imatges d’allò que la pintura menysté com a inadequat. No obstant, però, no tota composició val: la poesia no pot enumerar les parts d’un tot per construir una representació si perd unitat (massa detall enlletgeix la imatge), a diferència de la pintura, que sí que pot traslladar les parts a un espai on cossos i gestos simultanis permeten endevinar l’acció al voltant de l’instant. La poesia ha de construir el tot de manera que la imatge quedi impresa en la imaginació per sobre de les parts que la componen, de manera clara e immediata, seqüencialment, amb economia de mitjans i l’elecció més convenient de les propietats o trets de l’objecte, col·locats sintàcticament per importància.

A diferència de la prosa, aquesta aspira a despertar la il·lusió i l’oblit momentani del llenguatge; i les seves parts estan sempre al servei del temps, de l’acció, d’una seqüència ubicada entre una anterior i una altra posterior, on els detalls es perden si no romanen en la memòria, i tanmateix pot crear certa il·lusió de simultaneïtat; aspirant, així, a crear la il·lusió de bellesa sense esmentar-la, sense descriure les parts dels cossos, tot buscant l’emoció en la imatge descrita o en les conseqüències que genera, o en el moviment de l’acció, ja que de fer-ho sobre un instant immòbil acaba representant un “quadre sense quadre”.

Abans de finalitzar l’assaig amb un recull de crítiques a Winckelmann, Lessing aborda el tema de la lletjor. El que fa que una obra sigui contrària a la bellesa és la unitat de les discordances del conjunt, més que d’algunes de les seves parts: és a dir, al igual que la bellesa, la lletjor és una qualitat del conjunt. Aquesta pot servir per reforçar sentiments complexos com ho són el terrible i el ridícul. El ridícul neix del contrast entre les perfeccions i les imperfeccions, sense que es puguin distingir clarament: la lletjor amb pretensió de serietat i encant també resulta ridícula.

Pel que fa a la lletjor i el terrible (com les bèsties i els cadàvers, segons els exemples d’Aristòtil), la poesia permet contemplar-les en tant que il·lusòries i sorprenents, i dotar-les d’un nou encant, ja que sols és com a objectes reals que podem sentir que són desagradables. Hi ha, però, alguns sentiments repugnants on la poesia troba les seves limitacions, com, per exemple, la gana, que no es pot reproduir si no es fan servir descripcions repugnants. Pel que fa a la pintura, Lessing afirma que aquesta pot imitar la lletjor de les formes (com les deformitats) fins al punt de provocar-nos fàstic. Quan el fàstic es mescla amb el terrible, la sensació complexa resultant és l’horrible.

William Blake. Font. Viquipèdia.

Valoració

Lessing estableix relacions entre mitjans artístics diferents a través del delit de la imaginació. També, demostra que la interpretació de l’art amb art és una eina hermenèutica útil. Avui en dia, però, lluny queda el debat dels Antics i els Moderns, si no el reinterpretem com a Moderns i Postmoderns. Podem substituir la poesia èpica per la literatura, i la pintura per la fotografia, i probablement l’assaig del Laocoont seguiria funcionant com a eina.

Avui, però, és sobretot en el cinema on hi ha la gran diferència: el setè Art ha substituït el paper de la pintura i la poesia (o podríem dir que ha integrat ambdues). Crec, però, que encara són vàlides algunes idees de Lessing entre la narrativa visual (del còmic, o per exemple, l’animació i el cinema) i la narrativa escrita: per una banda, el bon art ha d’atraure la imaginació amb el seu llenguatge, i per altra, aquests arts segueixen imitant-se mútuament i usant-se com a eines interpretatives.

Stephen King i Stanley Kubrick. Creador i imitador de The Shining? Font: http://oberronet.blogspot.com/

De la mateixa manera, quan considerem si una pel·lícula és fidel o no al llibre, o viceversa, podem considerar, com Lessing, que l’autor, en comptes de sotmetre el seu geni al del narrador, l’ha reinterpretat a un format visual amb el seu llenguatge propi (per exemple, els nombrosos casos de Stanley Kubrick); o com en el cas de l’escultura, considerem que l’adaptació d’una pel·lícula té més mèrit que la novel·la, ja què el valor d’aquesta rau en l’execució i no en la invenció.

El cinema ha integrat el pla temporal al espacial en imatges en moviment, i amb el seu propi llenguatge ha definit una forma contemporània d’excitar la nostra imaginació. Tanmateix, la poesia, el còmics, la pintura o la fotografia s’han reinterpretat a través del cinema. No obstant la primacia del cinema, encara avui la pintura i la fotografia segueixen sent les arts de l’espai i de l’instant, mentre que la poesia i la literatura, segueixen sent essencialment els dominis del temps i la paraula, entre els quals roman encara el regne de l‘invisible.

Share This:

Publicado en Reseñas, Todo | Etiquetado , , , , , , , , , , , , , , , , , , , | Deja un comentario